JURADO
JURY MEMBERS 2019-2020

KIKO FARKAS es diseñador e ilustrador formado por la Facultad de Arquitectura de la Universidad de São Paulo. En su práctica diaria la realiza en la Máquina Productora, fundada en 1988. Kiko actúa principalmente en las áreas editorial, cultural e institucional. Por ser un estudio pequeño de 4 empleados y tener un formato colaborativo, la Máquina Estudio posibilita que Kiko Farkas y su equipo impriman una marca bastante personal en sus proyectos, lo que hace que tengan una identidad profesional ampliamente reconocida en la escena del diseño brasileño e internacional.
El trabajo editorial de la Máquina Estudio se caracteriza por la atención dada a la creación de un proyecto editorial que posteriormente generará un proyecto gráfico, por la importancia de la edición de imágenes y por la manipulación del objeto que transportará todo el contenido - sus características físicas. Es Socio fundador de ADG – Brasil y Miembro de AGI - Alliance Graphique Internationale.
Entre 2003 y 2007 la Máquina Estudio fue responsable por la comunicación visual de la Osesp - Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo, estableciendo un importante hito en la producción contemporánea de carteles en Brasil, cuyo resultado fue publicado en libro y puede ser visto en muchas exposiciones en Brasil y en el exterior. En 2005 fue ganador del concurso nacional para la creación de la identidad visual del sector de turismo en Brasil. Entre 2013 y 2016 la Máquina Estudio fue responsable por la comunicación visual institucional de la Fundación Theatro Municipal.
Kiko Farkas fue creador y coordinador del programa de especialización en Diseño Gráfico de la EBAC - Escuela Británica de Artes Creativas entre 2016 y 2018. Actualmente es consultor para programas interdisciplinarios.
Conferencista en el Instituto de Artes Mauricio Kagel, en la Universidad Nacional de San Martín, Buenos Aires, Argentina; Conferencista y tallerista en el congreso Diseño, Agente de Cambio de la Universidad San Ignacio Loyola en Lima, Perú; Conferencista y tallerista en la Universidad Autónoma de Aguas Calientes, México; Conferencista y tallerista en la Fundación Momayza en Teherán, Irán. Mención honrosa para las portadas de la Colección Poesía, de la Compañía de las Letras en la exposición internacional ZGRAPH11 en Croacia, y muchos eventos importantes mas.

RIKKE HANSEN en nació en Dinamarca en 1975. Diseñadora gráfica y educadora. Trabaja y enseña en el área entre el lenguaje, cultura y espacio. Tiene pasión por el diseño gráfico, la tipografía y por trabajar con métodos de diseño que proporcionan a los estudiantes formas de comprender fundamentalmente a la sociedad y las necesidades de sus grupos de interés y cómo dirigir estos procesos para obtener resultados útiles. Durante varios años ha trabajado en el desarrollo de productos, estrategias de marcas y consultorías para empresas y organizaciones así como Jefa de Departamento de la Escuela de Diseño de la Universidad Kolding donde ha desempeñado un papel importante en el desarrollo de nuevos programas educativos para el futuro. Ha sido directora de Designhoejskolen Hoejer, una nueva escuela de diseño independiente que se enfoca en el desarrollo de talentos. Es Profesora Asociada externa en la Universidad del Sur de Dinamarca. Actualmente enseña una variedad de cursos de diseño en diferentes escuelas de diseño y universidades. Trabaja e investiga proyectos de desarrollo de diseño y tiene su propio estudio donde imprime y hace diseño digital. Es dueña de un taller de letterpress. Vicepresidente de la Asociación Danesa de Creación de Libros. Miembro de TypeUnited. Designada Examinador Externo en los programas de educación superior artística del Ministerio de Educación Superior y Ciencia. Ha sido jurado en el XIV Bienal Internacional de Carteles de México; Ganadora del Premio a la Excelencia COFOD; Ganadora del premio Graphis Silver, Gold y Platinum. Exhibe y da conferencias y talleres internacionalmente en Chile, Corea del Sur, México, Jordania, Israel, Siria, Tailandia, Gambia, Malasia, India, Sri Lanka, Holanda, Portugal, República Checa, Estados Unidos y China.

MEHDI SAEEDI es artista y diseñador de conocido internacionalmente con sede en Filadelfia que nació y creció en Teherán. Su visión del diseño está influenciada por su enfoque en la contemplación de la estética oriental, el patrimonio y la tradición.
Utiliza su experiencia en diseño gráfico, caligrafía persa y tipografía para transformar letras Farsi en diferentes formas y figuras, ofreciendo conceptos únicos en el diseño gráfico.
Sus obras han sido expuestas en numerosas exhibiciones, bienales y trienales de todo el mundo.
Ha asistido a numerosos concursos locales e internacionales como miembro del jurado y también como orador. En 2013, también fundó la Primera Exhibición Internacional de Diseño de Tipos, como parte de Silver Cypress, la 3a Bienal de la Sociedad de Diseñadores Gráficos Iraníes.
Ha ganado docenas de importantes premios tanto a nivel local como internacional, entre los que se encuentran: Tercer Premio en la Bienal Internacional del Mundo Islámico el 2010; Mención de Honor en la 17ma. Bienal Internacional del Cartel de Colorado, EE. UU. el 2011; Medalla de Bronce en el Premio Internacional de Diseño de Carteles de Taiwán, 2011; Primer Premio en la 12o Trienal Internacional de Carteles, Ekoplagat’11 en Eslovaquia, 2011 ; Menciones de Honor en la 4 ° Bienal Internacional de Cartel Social y Político de Polonia, 2012; Cuarto Premio en la 12va. Trienal Internacional de la Muestra de Carteles Políticos en Mons, Bélgica, 2013; Premio de Oro de Graphis, Estados Unidos, 2013; Premio especial del Premio de Diseño Internacional de Taiwán, 2013, entre muchos otros. Además, es profesor a tiempo parcial en Towson University en Maryland, EE. UU. y miembro de AGI Alliance Graphique Internationale.

Natalia Volpe creció en Argentina, es diseñadora gráfica diplomada de la Facultad de Diseño y Urbanismo de Buenos Aires y obtuvo una Maestría de Literatura en la Universidad Autónoma de Barcelona. Fue docente, por más de 15 años, en la Universidad de Buenos Aires, antes de dedicarse exclusivamente a su estudio, donde desarrolla proyectos gráficos, editoriales y artísticos, dividiendo su tiempo entre Buenos Aires y Lyon, donde reside actualmente.
Asimismo destina parte de su producción al desarrollo de carteles sociales y culturales. Que han sido reconocidos y exhibidos en diferentes partes del mundo. También es miembro fundador del colectivo gráfico Onaire. Donde experimenta un método de trabajo participativo, que le sirve como herramienta para su trabajo artístico colectivo.
Ha sido miembro de jurados internacionales en diferentes convocatorias de carteles, participa en exposiciones, ofrece talleres y conferencias en diferentes eventos alrededor del mundo.

ART CHANTRY fue criado en Tacoma. Trabajó en Seattle durante casi 30 años. En ese tiempo, logró producir un cuerpo de trabajo que, por poco heterodoxo, aún rivaliza con algunos de los mejores diseños gráficos del mundo. Ha ganado cientos de premios de diseño y publicidad, incluido un León de Bronce en Cannes y ha sido el Laureado del CIIPE de Colorado. Su trabajo ha sido recopilado y exhibido por algunos de los museos y galerías más prestigiosas del mundo: el Louvre, el Smithsonian, la Biblioteca del Congreso y el Salón de la Fama del Rock and Roll, entre otros. En 1993, el Museo de Arte de Seattle lo honró con una retrospectiva de un solo hombre de su trabajo y el PS1 / Museo de Arte Moderno, hizo lo mismo. Su trabajo ha sido publicado en cientos de libros y revistas. En 2001, Chronicle Books publicó la monografía de su trabajo, Some People Can't Surf, escrita por Julie Lasky. De hecho, incluso hay un libro sobre el trabajo de Chantry publicado en China y escrito completamente en chino... aunque nadie sabe lo que dice REALMENTE. Durante su tiempo trabajando en Seattle, Art de alguna manera logró forjar un estilo que se apoderó de la popular escena de la música underground a principios de los 90. Apodado "grunge" por los expertos de la cultura, en realidad fue una mirada desarrollada en un semanario alternativo llamado The Rocket, donde Art comenzó como director de arte en 1984 y continuó participando de forma intermitente durante más de diez años. Durante ese tiempo, la revista se convirtió en un centro virtual al volante de la escena musical y cultural de Seattle. Pronto, sus ideas se extendieron más allá de The Rocket hasta el nuevo sello discográfico Sub Pop, donde se convirtió en historia. Sus ideas encontraron más matices en su trabajo para el sello discográfico de rock, Estrus Records, donde su estilo encontró un hogar perfecto. A través de su trabajo con el personal de The Rocket y las clases que impartió en la School of Visual Concepts y otras universidades y colegios, incluidos los talleres, Art influyó en toda una generación de jóvenes diseñadores gráficos en el noroeste y eventualmente en todo el condado. Ha dado muchas conferencias y ha viajado para presentar su trabajo en todo el mundo. Ha contribuido con escritos a varios libros sobre diseño gráfico y sus propios libros, Instant Litter, Some People Can't Surf y Art Chantry SREAKS (Speaks) se consideran clásicos en ese campo. Hasta el día de hoy, se puede ver su estilo de vanguardia en todo el mundo, desde portadas de discos de punk rock hasta informes anuales corporativos. En 2017, Art Chantry recibió la Medalla AIGA por sus contribuciones al diseño gráfico..

JOANNA GORSKA es graduada de la Facultad de Pintura de la Academia de Bellas Artes de Gdansk, Polonia. Desde 2003 ella ha estado trabajando con Jerzy Skakun en Homework, su estudio de diseño. Diseñan carteles y trabajan imprimiendo gráficos e identidades para eventos culturales. Sus obras fueron exhibidas —entre otros lugares— en París, Berlín, Londres, Nueva York y Hong Kong. Son ganadores de varios concursos. Los logros más importantes son: Medalla de Oro y Plata en la Bienal Internacional de Carteles de México; Medalla de Plata en la Bienal Internacional de Carteles en Chicago; Premio en 4th Block Trienal de Carteles en Kharkiv y Premio en la Bienal de Carteles en Varsovia. Sus clientes son: El Teatro Powszechny en Varsovia, New Horizons Association, Museo Polin, Museo Nacional en Varsovia, MOS Cracovia, Museo Rising de Varsovia, Vivarto, Museo Mañana y Pulaski en Warka, Polonia.

FIDEL SCLAVO es pintor y diseñador gráfico uruguayo. Estudió Arquitectura (carrera que abandonó poco antes de recibirse), Ciencias de Comunicación en la Universidad Católica de Montevideo, y con Milton Glaser en la School of Visual Arts de New York. Vivió en Montevideo, New York, Barcelona, y desde hace trece años se instaló en Buenos Aires, donde actualmente vive y trabaja. En los años 80 comenzó a diseñar carátulas de libros, discos y afiches en Montevideo. Colabora como diseñador e ilustrador en diversos diarios, revistas y editoriales de Uruguay, España, Alemania, Estados Unidos y Argentina. Ha recibido premios por sus afiches para Amnesty International, entre otros, y sus trabajos han sido reproducidos en la revista Novum Gebrauschgraphik, el libro Latin American Graphic Design, de Taschen, el catálogo de la Bienal de Diseño Iberoamericano, en Madrid, Glob-All Mix, 30 posters por un mundo sustentable, para Rio 2012, y en Presenting Shakespeare, la recopilación de Steven Heller e Mirko Ilic sobre afiches de obras de Shakespeare de todos los tiempos, donde se reproducen 15 carteles suyos. Recientemente participó en Footb-All Mix, la exposición de 32 carteles sobre fútbol, en ocasión del Mundial de Rusia 2018. Desde hace más de 25 años diseña carátulas de libros para Ediciones de la Banda Oriental (Uruguay), Siruela (España), Alfaguara (México), entre otras. Ha diseñado muchas tapas de discos para diversos artistas y desde algunos años, realiza portadas para el prestigioso sello discográfico alemán ECM.
Tiene varios libros publicados, entre los que se destacan Los amigos imaginarios (Premio Bartolomé Hidalgo, Montevideo), El elefante y la hormiga (Premio Nacional de Literatura, Ministerio de Educación y Cultura, Uruguay), Lo que vive en tí, La mujer que hablaba con los peces, Un señor muy recto y una señora con curvas, Servilletas de Papel, Historias que quedan en nada, El huevo Redondo. Así como varios libros en colaboración con escritores como María Negroni (Cartas extraordinarias, Alfaguara, Argentina), Mario Delgado Aparaín (Un perro sin nombre, Banda Oriental), Daniel Grandbois (Unlucky lucky Tales, Texas University Press), Henry Trujillo (El pasajero, Banda Oriental), Ildefonso Pereda Valdés (Ronda Catonga, Más Pimienta), Cecilia Bonino (La mujer que ríe y el hombre que agradece, Banda Oriental).
Como pintor, ha ganado el Primer Premio del Salón Nacional en Uruguay y el Gran Premio del Salón Municipal de Montevideo, entre otras distinciones.

CYNTHIA PATIÑO. Nacida en EEUU por accidente, boliviana de corazón y paceña de pura cepa. Tiene estudios iniciales en EEUU y Bolivia. Posteriormente estudió en Bellas Artes y Diseño en Madrid, París y Pasadena California.
Trabajó profesionalmente en diseño gráfico, ilustración, diseño industrial, packaging, imagen corporativa, diseño editorial, branding, interiorismo, arquitectura y paisajismo. Actualmente se considera mujer circo del diseño y madre de dos jóvenes que la conservan vigente en su desenfrenado mundo actual.
Más de 35 años de experiencia en el ámbito comercial-artístico boliviano, desarrollando imagen global para empresas del país, siendo lo favorito apoyar a pequeños y medianos emprendedores con el abanico de posibilidades creativas, siempre con el corazón y algunos aciertos con la cabeza.
Cuando no está delante del iMac, café con leche en mano acabando con lo poco que me queda de vista, tiene el iPad en ristre y la materia gris humeando con tanta curiosidad al alcance de los dedos.
Entre cosas paralelas, le da alegría deshierbar, podar y regar su jardín, esto en sentido literal y metafórico.
Su lema: No tomarse lo que uno hace muy en serio, es solo un viaje de mil posibilidades si se mantiene la mente liviana.

DAISUKE KASHIWA nació en Miyagi, Japón. Estudió Ilustración y Diseño Gráfico en la Universidad de Arte Tama. Tiene un doctorado en el área de arte en la Universidad de Arte Tama, 2017. El título de su tesis doctoral fue "Metodología para la creación de formas extrañas en la ilustración" y en ella investigó y construyó una historia del diseño de "formas extrañas" en la ilustración japonesa. Además, utilizó su propio método para crear varias ilustraciones. Actualmente es miembro de la Facultad en la Universidad de Arte Tama y la Universidad de Obirin en Tokio. Está a cargo de lecturas prácticas sobre ilustración, diseño de carteles y diseño gráfico.
Es un artista e ilustrador, principalmente para crear carteles culturales. En muchos casos, ha buscado imágenes vívidas y extrañas en sus propios diseños. Sus obras han ganado reconocimiento en varios concursos internacionales. En 2014, sus carteles y colecciones de trabajo con diseños experimentales de formas extrañas recibieron el Premio del Alcalde y el Premio del Público en la Bienal de Diseño Gráfico de Brno en la República Checa. También en 2018, ganó dos premios de Plata en Graphis Poster Annual. Entre 2014 y 2018, participó en Golden Bee de Moscú así como de la Bienal Internacional del Cartel de México, la Bienal de Cartel Bolivia BICeBé, la Trienal del Cartel Trnava, la Trienal Internacional del Cartel en TOYAMA, la Bienal del Cartel Ecuador y la Competición Internacional del Cartel de Chaumont, Francia..